Cómo tomar mejores fotografías de nuestros viajes

James Seymour es un autor que ha viajado por más de 14 países y ha recopilado en su blog diferentes aspectos para tomar mejores fotografías de nuestros viajes.

El fotógrafo James Seymour ha publicado en su blog una guía con diferentes aspectos que deberíamos tener en cuenta si queremos tomar mejores fotografías de nuestros viajes. El autor ha viajado por más de 14 países, principalmente europeos, aunque también se encuentran algunos como Egipto y Filipinas.
Se trata de un fotógrafo nómada que ha desarrollado sus habilidades artísticas al mismo tiempo que viajaba por diferentes lugares. James vendió todas sus posesiones menos dos elementos: su cámara y un MacBook, de los cuales actualmente se sirve para desplazarse por todo el mundo mientras trabaja como asesor para nuevas empresas de tecnología.
El autor compartió una serie de consejos para que el resto de personas puedan ser también partícipes de las técnicas que especialmente se deben potenciar cuando nos desplazamos fuera de nuestra propia ciudad. Algo que el autor ha aprendido a lo largo de su camino, basándose en las experiencias y situaciones vividas en sus viajes. Nosotros vamos a recopilar aquellas que nos resultan más interesantes.

La investigación

Según el fotógrafo, la investigación sobre un lugar es la clave para que terminemos logrando buenas imágenes. Así, incluso antes de llegar a un nuevo país debemos buscar información al respecto que nos pueda servir de inspiración para nuestras imágenes. Por Internet existen muchos artículos que nos indican las mejores fotografías de un lugar en concreto, pero si realmente queremos escapar de los estereotipos, no es demasiado aconsejable guiarse por ese tipo de consejos.
Si estamos buscando fotos más particulares, James señala que podemos acudir a páginas como 500pxy buscar el pueblo o la ciudad de destino. Así, podremos comprobar cómo fotógrafos locales de gran talento han retratado diferentes partes de su ciudad. Además, esas imágenes en ocasiones incluyenetiquetas de geolocalización, algo que puede servirnos de gran ayuda para encontrar exactamente el lugar desde el que se tomó la fotografía.

No lleves la cámara

De entrada puede parecer una idea algo extraña y contradictoria, después de todo lo que pretendemos es tomar fotos. Pero James puntualiza el hecho de que a veces debemos sumergirnos totalmente en el entorno que vamos a fotografiar, disfrutando del viaje y simpatizando con las personas del lugar, sin ninguna preocupación por qué fotos deberíamos estar tomando en ese momento. Se trata de una primera toma de contacto con el lugar, que nos permite explorar los diferentes motivos que pueden ser objetos de nuestra imagen.
Así, podemos evaluar exactamente a qué hora puede ser adecuado tomar imágenes de una localización en concreto, o detectar los paisajes y edificios que pueden ser de especial relevancia para nosotros. Es una buena opción cuando tenemos la posibilidad de permanecer varios días en un lugar, ya que en ocasiones no siempre debemos ver el mundo a través de nuestro visor.

Se educado

Debemos tener en cuenta que existe una especie de temor generalizado cuando apuntamos a una persona con el objetivo de nuestra cámara. Esto provoca diferentes reacciones en función de la personalidad del individuo, algunos se enojan, a otros les asalta la timidez, o simplemente dejan de ser naturales. Esto es algo difícil de solucionar, hay que estar advertido sobre el hecho de que cada persona está desarrollando su vida de forma habitual hasta que llega un fotógrafo que aborda su círculo de intimidad.
Por esta razón, suele ser aconsejable establecer una primera toma de contacto, presentarnos y pedir educadamente la foto (preferiblemente en el idioma local). Si nos rechazan no existe ningún problema, lo único que debemos es seguir utilizando esta táctica hasta que finalmente alguien acceda. Esto nos permitirá obtener imágenes de un sujeto mucho más relajado, lo que inevitablemente se transmitirá en la naturalidad reflejada de nuestros retratos.

Lleva el equipo adecuado

En muchos blogs de fotografía destacan la importancia de tener una sola lente, ya que de lo contrario podríamos perder nuestra imagen mientras cambiamos de objetivo. Según James eso es un consejo erróneo, el autor apoya que si se pueden obtener mejores resultados al utilizar otro objetivo diferente, entonces debemos hacerlo.
El autor suele llevar consigo 3 tipos de objetivos (gran angular, 50mm y un zoom), los cuales utiliza en función del tipo de fotografía que desea realizar o dependiendo del lugar donde se encuentre. Aunque en ocasiones, tras evaluar exactamente qué imágenes vamos a tomar, también es conveniente hacer fotos únicamente llevando nuestra cámara con una lente acoplada, algo que ayuda a despojarse de nuestra mochila y abandonar el aspecto de turista.

Levántate temprano, acuéstate tarde

Puede ser un gran hándicap para aquellas personas más aficionadas a dormir, pero lo cierto es que las mejores fotografías se toman durante la salida y la puesta de sol. La luz presentada en esos instantes resulta única, los cuales nos darán una paleta de colores bastante particular en nuestra imagen.
Lo que popularmente se ha llamado como “la hora azul”, es un momento que supone un punto intermedio entre el crepúsculo del día y la noche. Algo que podemos fácilmente identificar gracias a los servicios meteorológicos, los cuales nos señalan exactamente el momento en el que el sol aparece o se oculta en el lugar donde nos encontramos.
Fuente: http://hipertextual.com/2014/11/como-tomar-mejores-fotografias-de-nuestros-viajes

Aquí es donde nacen las fotografías de National Geographic

Las fotografías de National Geographic tienen algo especial. Partícipe de este éxito es Kenji Yamaguchi, el cual es responsable de modificar las cámaras para que los reporteros vean facilitadas sus labores y obtener la mejor imagen posible

El trabajo de Kenji Yamaguchi es muy singular. Es el encargado de modificar cámaras para que las fotografías de National Geographic luzcan lo mejor posible. Así, Yamaguchi realiza labores artesanales en las lentes y diferentes cámaras, alterando entonces su funcionamiento y optimizándolas para las labores que realizará concretamente el reportero.
En el sótano del edificio de National Geographic es donde podremos encontrar la oficina de Kenji. Rodeado de herramientas como taladros, sierras y cubierto de grasa, el artesano es la primera persona a la que los fotógrafos acuden cuando desean obtener un efecto muy concreto en alguna de sus herramientas.

Por ejemplo, cuando un reportero necesita una cámara más rápida, o una lente macro con un mayor angular para fotografiar objetos muy cercanos, Kenji es el encargado de hacer que las necesidades de los autores se transformen en algo real.
Debido a sus habilidades, Kenji se ha encontrado presente en muchos de los proyectos planteados por la National Geographic. Entre ellos, encontramos la difícil misión de David Doubilet, el cual debía sumergirse en el fondo marino de Tokio y capturar una parte del submarino de la compañía, al mismo tiempo que debía retratar el barco que se encontraba a flote. Tenía que realizar una doble exposiciónen una sola foto. La ayuda de Kenji resultó fundamental para obtener el éxito y poder exponer la fotografía correctamente en un solo negativo, algo que se realizó en diferentes días.

El japonés es el autor de diferentes gadgets que ayudan a los fotógrafos en sus labores de reporteros. Uno de ellos es lo que él llama “cámara trampa”, las cuales lanzan el flash cuando detectan movimiento por delante de la escena. Asimismo, también tuvo que modificar muchos de los flashes de las cámaras para convertirlos en dispositivos inalámbricos, ya que según los reporteros, los guepardossolían morder el caucho que solía rodear al cable de la cámara.
Factores como la ayuda de Kenji Yamaguchi, son aquellos que ayudan a los fotógrafos del National Geographic a realizar tomas que posteriormente provocan que quedemos alucinados, y pregúntandonos cómo ha sido posible captar ese momento en una imagen.
Fuente: http://hipertextual.com/2014/12/fotografias-de-national-geographic

Las primeras reglas fotográficas que debes conocer antes de disparar una foto

Para poder entender todo lo que pasa en nuestros encuadres y generar fotos más compensadas y equilibradas, es necesario conocer una serie de reglas. Una de las más famosas es la regla de los tercios de la que podemos derivar otras que nos ayudarán muchísimo con nuestras fotografías.

Cuando nos adentramos en el mundo de la fotografía hay varias cosas que son muy importantes y otras tantas que debemos controlar, algunas incialmente y otras que iremos aprendiendo y mejorando con el tiempo y con la practica. En este sentido, es fundamental conocer ciertas características de nuestra cámara, así como sus funciones y ajustes, ya que de esta forma tendremos un mayor control de lo que va a salir realmente en nuestra toma. Igual de importante es también tener en cuenta una serie de cosas antes de disparar nuestra cámara, como puede ser el fondo de la imagen, el peso visual o el punto de vista. Pero, como pasa en muchas disciplinas, en la fotografía también es recomendable cumplir con una serie de reglas fotográficas que nos ayudarán a mejorar nuestros disparos, nuestras imagenes y nuestras composiciones.

La regla de los tercios

Probablemente sea una de las reglas fotográficas más conocidas. Suele ser una de las primeras que se aprenden, ya que nos va dar una serie de nociones importantes para saber destacar o encuadrar a los objetos o personas que aparezcan en nuestra fotografía. La regla de los tercios consiste en divivir nuestro encuadre (o imagen) con dos líneas horizontales y dos líneas verticales. Tanto las líneas horizontales como las verticales tienen que estar a la misma distancia. Al hacer esto generamos cuatro puntos de corte (o puntos de intersección) Para que una imagen este equilibrada, nuestro sujeto u ojeto principal a de coincidir con uno de estos cuatro puntos.
Esta regla suele utilizarse mucho en la fotografía de paisaje (aunque es validad para cualquier tipo de fotografía) y nos resultará tremendamente util para compensar nuestras fotos. Eso si, no hay que caer en el error, ni obsesionarse con ella, ya que algunas tomas la cumplen y siguen siendo muy buenas fotografías.
Si necesitamos tener este recurso directamente en pantalla debemos saber que algunas camaras (y la mayoría de las aplicaciones de los smartphone) permiten activar estas guías, de modo que nos resulte mucho más fácil y cómodo ubicar al personaje u objeto que vamos a fotografía en uno de los puntos de intersección.

La regla de la horizontalidad

La regla de la horizontalidad, como su propio nombre indica, la aplicamos cuando estamos trabajando con un horizonte bien definido. Es bastante simple de aplicar ¿Recuerdas la división que era necesaria para la regla de los tercios? Pues ahora solo vamos a juegar con las líneas horizontales. Esta regla se suele aplicar unicamente en la fotografía de paisaje y nos sirve para darle más importancia al cielo o alsuelo en nuestras tomas. Si lo que queremos en un paisaje es destacar el cielo, tendremos que dejar en nuestra composición 1/3 de suelo y 2/3 de cielo, sin embargo, si lo que queremos destacar es el suelo, haremos lo contrario. Si en algún momento nos encontramos con un encuadre en el que el cielo y el suelo tienen el mismo peso visual, podemos dividir el encuadre en dos y tomar así la fotografía.

Los puntos de interés

El punto de interés es uno de los puntos de intersección que explicamos antes. En los mismos es donde debemos situar el interés o hacia donde debe ir la vista de nuestro interlocutor al mirar nuestra fotografía. Hay que tener muchísmo cuidado de no confundir este punto con el peso visual de la toma, ya que en muchas ocasiones no tienen porque coincidir. Conocer estos puntos puede ayudarnos a ganar limpieza visual en nuestra toma o quitar aquellas cosas que nos molesten en el encuadre y se encuentren alrededor del mismo. Como explique anteriormente, puede que haya tomas donde hay más de un punto de interés y no por eso la imagen es incorrecta.

Analisis de fotografías

Si quieres ejercitarte y además mejorar en estas técnicas siempre es bueno que te fijes en algunos ejemplos de referencia. Un autor de referencia para aprender sobre las reglas que hemos explicado esHenri Cartier Bresson, un fotógrafo mundialmente conocido y cuyo lema era retratar lo que está pasando. Dentro de sus fotografías encontramos las proporciones aureas, incluso en aquellas en las que captaba disparando en el momento decisivo.
Conocer estas reglas no va generar fotos fantásticas, pero si que te ayudará a mejorar, o al menos a conocer mejor, muchos elementos de tus encuadres e imágenes. Como en cualquier disciplina, lo mejor que puedes hacer para asegurarte de que vas progresando y trabajando mejor, es coger tu cámara y salir a disparar.
Fuente: http://altfoto.com/2014/11/primeras-reglas-fotograficas

5 consejos para mejorar tus fotografías en blanco y negro

Aprender a fotografiar en blanco y negro es una tarea laboriosa porque implica una abstracción del color para saber capturar la luz perfecta, una tarea que no es fácil para algunas personas debido a nuestra capacidad de ver el color. Hoy en día, la fotografía en color se ha refinado mucho, pero el monocromo sigue teniendo una vigencia intemporal. Hoy os traemos 5 consejos básicos para aprender y mejorar en nuestra fotografía en blanco y negro.

En algunos artículos anteriores he dicho que para mí, la fotografía se compone de dos elementos básicos: encuadre y luz; el color es otro elemento importante pero secundario. Las grandes fotografías y películas que hoy son clásicos, se realizaron en blanco y negro, y es por esto que aprender a manejar encuadre y luz es realmente la base del 'saber hacer' de la fotografía. Hoy, os traemos desde Digital Photography School 5 consejos que nos ayudarán a mejorar nuestras fotografías en blanco y negro.
Aprender a fotografíar no es sólo el saber hacer buenos retratos, sino que existen toda una serie de recursos de los que podemos echar mano cuando nos disponemos a disparar: ritmos, formas, líneas, puntos, manchas, luces y sombras. Otro recurso al que personalmente me encanta fotografiar en blanco y negro son las texturas: óxido, piedras o la corteza de un árbol son texturas que resaltan con el uso del blanco y negro porque al eliminar la información cromática, el ojo se centra más en la forma, y el cómo la luz recorre esas formas.

1. Visualizar en blanco y negro

Como he apuntado antes, disparar en blanco y negro puede resultar complicado por la capacidad natural de ver en color. Disparar en blanco y negro requiere de una abstracción que nos permita saber si el resultado monocromo va a ser bueno. Por ejemplo, debemos saber que elementos coloridos como una flor o un rojo atardecer van a ser escenarios pésimos para disparar una fotografía en blanco y negro.
Saber 'ver en blanco y negro' requiere de un ejercicio de abstracción
Las situaciones que nos interesan en estos casos son lassombras o los contraluces que nos brinda el atardecer, o la búsqueda de fuentes de luz interesantes en el paisaje nocturno como neones o farolas, generando sombras y delimitando las formas de nuestro sujeto. La fotografía monocroma tiene implícita una serie de sensaciones a las que podemos recurrir. Por ejemplo, una situación donde el uso del blanco y negro es muy adecuado es cuando queremos mostrar una sensación de nostalgia o vejez por ejemplo, fotografiando una maleta antigua o a una persona anciana. Debemos ser capaces de ver cómo la luz juega en las formas y lo que ésto expresa en su conjunto.
En definitiva, debemos saber ver más allá del color para saber cómo la luz recae sobre el escenario o sujeto que estamos fotografiando, ya que el resultado como fotografía total variará dependiendo de lo que fotografiemos y cómo lo fotografiemos.

2. El momento de hacer CLICK

Durante la producción, existen dos reglas de oro: disparar siempre en RAW, y prescindir de los modos de blanco y negro de las cámaras. El RAW es importante porque guardará una información valiosísima que nos permitirá un margen más ancho para editar la fotografía en caso de que se nos sobre/subexponga. Los modos de blanco y negro de las cámaras, son sencillamente basura; el resultado es variable Cuando fotografiemos, debemos pensar rápido para descomponer qué es luz y qué es colorde unos modelos a otros, suele ser una mala conversión de una fotografía en color con los ajustes que la cámara hace, desprendiendo cualquier manipulación por parte del fotógrafo.
Esta fase es una de las más importantes porque de ello depende gran parte del resultado final. La complejidad de esta fase es mayor, ya que debemos hacer un uso rápido de nuestros conocimientos en la fotografía monocroma para realizar la foto y pensar a la vez cómo podemos arreglar los fallos que estamos viendo en postproducción. Para conocer exactamente cuáles son nuestras posibilidades técnicas si queremos recuperar una zona quemada o una demasiado ensombrecida, deberíamos practicar antes para saber cuánta información es capaz de guardar nuestros RAW's.

3. La postproducción

Este paso es el que te saltarás si usas los modos de blanco y negro de la cámara, ya que no contarás con una imagen en color sobre la Las curvas HSL de Camera RAW o Lightroom son la mejor opción para procesarque puedas trabajar. Si usas RAW, siempre dispararás en color para después pasar a la postproducción, que hará que puedas hacer una buena conversión gracias a toda la información que guardan estos archivos, pudiendo deshacer los cambios en cualquier momento.
Durante esta fase, es importante emplear métodos de conversión no-destructivos con el fin de poder deshacer los cambios o modificarlos si hay alguna parte que no nos gusta. Sin duda, el método que más control nos ofrece sobre nuestra conversión son las curvas HSL de Camera RAW, por lo que trabajaremos con ésta herramienta para monocromar nuestra fotografía. Yo personalmente por comodidad, suelo usar el HSL de Lightroom que también trabaja muy bien, pero si queremos revelar por zonas o hacer ajustes más concretos, os recomiendo encarecidamente emplear Camera RAW.

4. Conversión desde el HSL de Camera Raw

La conversión se realiza en dos pasos muy fáciles desde el panel de curvas HSL de Camera RAW. En primer lugar, debemos marcar la casilla 'Convert to grayscale', y con esto hemos convertido la fotografía en blanco y negro.
Ahora viene la parte divertida, que es jugar con los sliders. Al cambiar la sub-pestañita de 'Hue' a 'Saturation', podremos cambiar las tonalidades de la foto para variar la saturación de los distintos colores de la foto, permitiéndonos controlar los distintos tonos de gris de la foto. Por ejemplo, si en la fotografía vemos un cielo azul que en la conversión a blanco y negro queda ligeramente grisáceo y no bien oscuro como quedaría un cielo azul, podemos deslizar el slider azul para conseguir saturar todos los azules de la foto. Este recurso es posible utilizarlo en fotografía a color, pero si lo empleamos bien en blanco y negro veremos que lo que nos ofrece es un total control de la saturación de los distintos tonos de la fotografía.

 

5. Dispara y autocritícate

No hay una mejor forma de mejorar en la fotografía que haciendo fotografías. Cuantas más hagas y más te autocritiques, más te concoerás y mejorarás tus puntos débiles. Para conseguir avanzar se debe ser muy autocrítico con el trabajo que realizamos. NadieNo hay mejor motor para mejorar que la crítica y la autocríticaconoce mejor nuestros puntos fuertes y debilidades que nosotros, y lo que hacemos bien y lo que hacemos mal, y es por ello que la fotografía no se trata sólo de una habilidad, no es aprender a realizar una tarea que llegado a un punto sabes hacerla, como una operación matemática. La fotografía es mucho más abstracta, complicada y moldeable que todo eso. Es un proceso que si nos tomamos en serio puede llevarnos toda la vida en perfeccionar, y sólo cuando ya tengamos canas empezaremos a reconocer que hacemos buenas fotografías. Sal a la calle, busca, encuadra. Alinea el ojo, la mente, el corazón y fotografía como si fuera la última vez que fueras a fotografiar.

Fuente: http://altfoto.com/2014/06/5-consejos-para-mejorar-tus-fotografias-blanco-y-negro

¿Cómo quedaría nuestra foto colgada en la pared? Compruébalo con WallApp

WallApp es una página web que permite integrar digitalmente nuestra fotografía en un cuadro para así comprobar cómo quedaría nuestra imagen colgada en una habitación.

WallApp se trata de una web que nos habilita la posibilidad de comprobar cómo quedaría nuestra foto en una habitación sin necesidad de colgar ningún cuadro. La función de la página web es bastante simple, lo único que debemos hacer es arrastrar nuestra foto a la aplicación que nos permitirá subirla, y así podremos se nos habilitarán las distintas opciones disponibles para ajustar el tamaño y la posición de la imagen en la pared virtual, posteriormente la guardar nuestra previsualización en JPG.
Esta página está creada por el equipo detrás de OhMyPrints, los cuales pertenecen a una empresa alemana que se encarga de realizar diferentes tareas de impresión, pudiendo comprar desde simples fotografías hasta grandes ampliaciones para hacer pósters.

Según sus creadores, WallApp es una forma rápida que nos ayuda a echar un vistazo a la forma de la que quedaría nuestra imagen en diferentes habitaciones. Se alza como una opción muy útil para artistas, ya que pueden utilizar esta aplicación para crear una imagen más realista en el caso de que quieran vender sus obras. Para vendedores de decoración, los cuales también pueden utilizar la herramienta para crear una imagen más atractiva. Y para los fotógrafos, siendo entonces una opción útil en el caso de que deseemos convencer a nuestros compradores de lo bien que puede lucir nuestra toma en el salón.
Además, tras hacer confeccionar nuestra imagen se nos permite compartir nuestra creación por distintas redes sociales como Facebook, Pinterest o Twitter para hacer públicas nuestras creaciones y que todo el mundo conozca nuestras obras de una forma más atractiva de la que habitualmente estamos acostumbrados a compartir nuestras imágenes.

WallApp se plantea entonces como una opción simple, pero a la misma vez muy útil para presentar nuestras obras para presentar a nuestros potenciales clientes la forma en la que las imágenes pueden presentarse en algún lugar de la casa, algo que quizás nos ayude a aumentar las posibles ventas de nuestra fotografía
Fuente: http://altfoto.com/2014/11/como-quedaria-nuestra-foto-habitacion-compruebalo-con-wallapp

7 Consejos sobre fotografía de pareja

Una sonrisa, una caricia, gestos de amor y complicidad… Probablemente si haces una sesión de pareja, estos serán los sentimientos que querrás reflejar con tus instantáneas. Hacer una sesión como ésta y que esas fotos transmitan emoción, no es tarea fácil pero nada es imposible.

Como fotógrafo de bodas y fanática del fotoperiodismo, os diré que en los últimos años se ha puesto muy de moda el hacer una sesión de pareja antes del gran día. Hay muy poca gente a la que le guste hacerse fotos y menos aún que estén naturales delante del objetivo de un profesional. Pero para hacerse fotos de pareja no es necesario ni mucho menos casarse. Cualquier excusa es buena para ir por la ciudad con tu pareja y tener un recuerdo inolvidable. Espero que con los consejos que te dejo a continuación puedas realizar con soltura sesiones de pareja impresionantes. ¡Qué los disfrutes!

1. Natural sí, pero todo preparado:

Está claro que en fotoperiodismo todo es natural, pero como nuestros sujetos fotografiados no son precisamente modelos, debes colocar un poco la escena y también los posibles defectos de vestuarios, posturas forzadas, muecas… Piensa que lo importante además de que la toma sea buena y original, es que se vean favorecidos.

2. Romanticismo es compatible con creativo:

Sin duda alguna podemos hacer fotos románticas a la vez que creativas. No te quedes en lo simple.

3. Haz que se olviden de tu presencia:

Como la luz será perfecta porque habrás elegido tú la hora del día y probablemente la localización, usa un buen 24-70 mm para poder dejarles un poco a su aire y las fotos no pierdan naturalidad.

4. Empatiza con la pareja:

Dedica la primera media hora a conocerles y a que te conozcan. Te aseguro que después de hablar un buen rato con ellos, la pareja se mostrará mucho menos tensa ante tu objetivo.

5. Usa elementos extra:

Llévate algún complemento gracioso para la sesión y deja que jueguen como niños. Entre risas todo será mucho más natural.

6. No te olvides de los detalles:

En una pareja no todo son los besos, los detalles como manos, pies, joyas etc. transmitirán en muchas ocasiones mucho más que un plano general sencillo.

7. Busca la luz:

Como ya sabes, es de las cosas más importantes en tu fotografía. Los contraluces siempre le dan a la foto un velo de romanticismo que harán de este tipo de sesiones todo un éxito.

Fuente: http://altfoto.com/2014/06/7-consejos-sobre-fotografia-pareja

Consejos para planear tu primera exposición

Exponer por primera vez puede resultar intimidante o un quebradero de cabeza para más de uno.

foto: Z33 art centre, Hasselt
Por norma general, hay un momento en el que todo fotógrafo, tanto amateur como profesional, decide que es el momento de tratar de hacer llegar a más gente su obra por medio de una exposición en algún lugar de su ciudad. Desde la experiencia personal puedo decir que la preparación, a la par que satisfactoria, puede resultar un poco abrumante en todo el proceso de producción. Por ello, en el artículo de hoy os daré un paseo por todo lo que aprendí cuando expuse por primera vez.

1. Presupuesto

Como en todo, la cantidad de dinero que puedes invertir en esto influirá en gran medida en las opciones que tienes abiertas: a todos nos gustaría imprimir nuestras imágenes a tamaño A0 y enmarcarlas, pero probablemente se saldrán de un presupuesto ajustado. Asimismo, tienes que tener en cuenta todos los gastos que pueden producirse: muchos sitios cobran comisión o una tarifa exposición, tendrás que gastarte dinero en impresiones, en enmarcar, en promoción, en cátering… Ten en cuenta todos los posibles gastos y cuenta con ellos desde un principio.

2. Busca un buen sitio

Galería, pequeña cafetería o cualquier otro tipo de local son tus principales opciones. Tienes que tener en cuenta que las galerías funcionan de manera muy distinta al resto de locales, ya que su trabajo es ése, seleccionar artistas, y exponerlos, obteniendo su parte de beneficio. Por norma general, las galerías seleccionan a los artistas por porfolio, dejando claras sus condiciones: si se hará un pago previo por montar la exposición o si cobrarán al artista una comisión en función de las ventas de la exposición. La comisión puede variar enormemente, ya que depende directamente del proceso y cuánto se involucre la galería con el artista, así como pueden imponer condiciones que no puedas cubrir. Eneste artículo explican detalladamente la manera de funcionar que tienen las galerías.
Por su parte, en otro tipo de locales los acuerdos suelen ser más flexibles, siendo el evento entendido como algo beneficiario para las dos partes. Lo importante es que, expongas donde expongas, dejes claras las condiciones y otras cuestiones importantes, como pueden ser la duración de la exposición, el lugar donde expondrás, el tipo de iluminación, la manera de colgar los cuadros, cuándo se montará la exposición… Todas estas cosas pueden parecer tonterías, pero es importante tenerlos en cuenta mientras se negocia ya que pueden desmontarte las ideas que tenías en mente.

Lauba House

3. Impresión de las imágenes

Una vez tienes claras las fotografías que quieres exponer, deberías darte un paseo por diferentes imprentas y ver cuáles son sus tarifas. Ten en cuenta que el tamaño de tus fotografías depende directamente del lugar donde vas a exponer: no es lo mismo un pequeño bar con varias mesas amontonadas en el que te ceden una pequeña parte que una galería de amplias paredes blancas solo para ti, así que pasa una tarde midiendo el espacio que tienes para controlar bien la disposición. Asimismo, tienes que tener en cuenta la visibilidad de tus imágenes: si el público puede moverse fácilmente y acercarse a ella puedes aprovechar formatos pequeños de impresión, si las tendrán que mirar de lejos es bastante probable que tengas que imprimir en grandes formatos. En este momento también deberías ir pidiendo presupuestos en tiendas de enmarcación o ir planteándote si prefieres que tus imágenes no tengan marcos e imprimirlas en formatos más sólidos. Cuida este detalle ya que la estética importa y dará mejor o peor impresión a tus potenciales compradores. No te olvides de incluir en este apartado otras cosas como tarjetas de presentación, vinilos y carterlería de la exposición con el nombre de la obra y el precio, flyers, etc.

foto: Pkabz

4. Promoción y evento

Si en el lugar donde expones te permiten hacer una pequeña inauguración deberías cuidar mucho el evento, ya que es el momento donde podrás hablar con gente ajena a ti. Por norma general, es necesario que diseñes o encargues algún cartel para anunciarla y poder llegar a más gente, repártelos por locales de la zona y mueve la noticia por Internet. También es muy importante que tengas unas tarjetas personales cuidadas y bonitas que dejar en el local mientras dure la exposición, ya que es tu principal carta de presentación y la manera que tendrán tus clientes de contactar contigo. Asimismo, ten en cuenta otras cuestiones logísticas como si puedes o te interesa organizar un pequeño cátering para el evento o servir algún tipo de bebida para quien asista, ya que tendrás que prepararlo con antelación.

foto: jorge zapico

 

5. Montaje

Ya que habrás acordado todo esto de antemano, procura tener todo preparado con tiempo de antelación: cuanto antes lo tengas, antes te quedarás tranquilo y más promoción podrás darle si tienes los carteles y tarjetas impresos. Los días previos al montaje haz un esquema mental del orden y la forma en la que quieres colocar tus imágenes, ya que te facilitará en gran medida el trabajo. Ya no te queda nada más que disfrutar de la exposición y relacionarte con la gente que asista al evento.

foto: Z33 art centre, Hasselt
Fuente: http://altfoto.com/2014/07/consejos-primera-exposicion

8 formas diferentes de realizar macrofotografía

Para hacer macrofotografía no siempre es necesario un objetivo macro. Existen diferentes opciones que son más económicas y que también nos permiten realizar grandes ampliaciones de nuestro objeto a retratar.

Podemos decir que existen distintas opciones a la hora de realizar macrofotografía . Habitualmente, los elevados precios de los objetivos macro llevan a los fotógrafos a experimentar técnicas alternativas con las que también puede realizar grandes ampliaciones de sus imágenes.
Independiente del método que se utilice, hay que tener en cuenta varias nociones en el momento de realizar este tipo de fotografía. Por ejemplo, siempre es recomendable el uso de trípode, evitamos así los movimientos y por lo tanto la obtención de imágenes borrosas. También hay que estar precavidos en cuanto a la difracción, la cual nos provoca una pérdida de nitidez así como de calidad en la imagen, y que normalmente podemos solucionar no usando aperturas demasiado abiertas.
Pero también es cierto, que en función de la opción que tomemos para realizar macrofotografía hay que valorar algunos aspectos concretos. Pasemos a analizar cada uno de ellos:

1. Objetivos macro

De todas las opciones supongo que es la más obvia. Como ya podremos imaginar, son objetivosespecialmente diseñados para realizar ampliaciones 1:1 (del tamaño real) o incluso más.
También es la opción que presenta menos dificultades a la hora de hacer este tipo de fotografía. No requiere la utilización de ningún accesorio y presenta muchas menos aberraciones en el resultado final, ya que sus materiales están especialmente pensados para este tipo de fotografía.
Podemos encontrarlos de diferentes distancias focales, deberemos elegir entonces el que más se adecue al tipo de macrofotografía que deseemos llevar a cabo. Hay que tener en cuenta que cuanto mayor sea la distancia focal de estos objetivos, menor será la profundidad de campo que tengamos, pero también se nos permitirá estar más alejado de nuestro objeto.
A pesar de todo, debemos decir que también es la opción más cara. Por esta razón son muchos los usuarios que recurren a otro tipo de herramientas más económicas que, aunque no sean tan indicadas, igualmente permiten realizar grandes ampliaciones en la fotografía.

2. Lentes suplementarias

Es una de las opciones más económicas para iniciarse en la fotografía macro. Se trata una lente convergente de dioptrías positivas que se enrosca en la parte delantera del objetivo, como si se tratase de un filtro. Su función es disminuir la distancia focal pero sin variar la extensión del objetivo. Básicamente, es como si pusiéramos una lupa delante de nuestra lente.
Normalmente suelen ir en un juego de 3 lentes que pueden variar desde +1 a +10 dioptrías. Se pueden combinar de la forma que deseemos para sumar la potencia entre ellas, esto variará dependiendo de la ampliación que queramos conseguir, pero la de mayor dioptría debe de ir siempre cerca del objetivo. Lo ideal es utilizarlo con lentes que posean distancias focales elevadas, ya que así lograremos una mayor ampliación del objeto.
A pesar de ser una alternativa barata, también debemos tener en cuenta que por lo general también son lentes de menor calidad. Además, en ocasiones su construcción no es la mejor y conlleva aberraciones o pérdida de nitidez, especialmente cuando empezamos a utilizar dioptrías superiores a +3.

3. Tubos de extensión

Son accesorios que aumentan la separación entre objetivo y el CCD, en estas condiciones, la distancia mínima de enfoque queda disminuida, por lo que es posible hacer fotografía macro. También debemos tener en cuenta que estamos aumentando el recorrido que la luz realiza al pasar por la lente, esto se traduce en una pérdida de luminosidad, ya que existe una mayor distancia hasta que la imagen se transforme en el CCD.
Al contrario que ocurría con las lentes suplementarias, el uso de los tubos de extensión no conlleva la aparición de aberraciones. Pero debemos tener cuidado, puesto que si ampliamos demasiado la distancia con respecto al CCD se puede producir viñeteado en la imagen final.
El juego completo de 3 tubos de ancho: 12mm, 20mm y 36mm y se mezclan como queramos. Los más baratos únicamente se dedican a alejar la unidad óptica del CCD, mientras que existen otros tubos de extensión (algo más caros) que permiten mantener la comunicación entre el objetivo y la cámara.

4. Fuelles

Siempre que nos imaginamos una cámara antigua tenemos en mente aquel típico fotógrafo, el cual utiliza un gran trípode sobre el que coloca una cámara que dispone de un enorme fuelle. Pues bien, ese fuelle tenía como objetivo variar la distancia mínima a la que enfocaría la cámara, modificando la distancia entre la lente y (por aquel entonces) la película fotográfica.
Actualmente, también venden fuelles adaptables a nuestra DSLR. Su funcionamiento es muy parecido al de los tubos de extensión, se colocan entre el objetivo y el objetivo para separar la lente del CCD, pero con la diferencia de que con el fuelle podemos regular la distancia mínima de enfoque a nuestro antojo. Debido a ello, proporcionan una disminución variable en la distancia de enfoque en función de cómo de extendido tengamos el fuelle. Así, podremos obtener el aumento que deseemos en la ampliación de un objeto.
Al igual que ocurría con los tubos de extensión, debemos estar advertidos sobre la pérdida de luminosidad que implica el uso de este accesorio, así como la posible pérdida de calidad en la imagen final en función de la construcción del fuelle.

5. Anillo inversor y objetivo invertido

Aunque hace tiempo ya os explicamos en que consiste este método, debemos recordar que este tipo de fotografía macro consiste en situar el objetivo a la inversa gracias a un anillo especial que se coloca entre el objetivo y el cuerpo de la cámara. Este anillo lleva por un lado el sistema de enganche de bayoneta, y por el otro una rosca capaz de sujetar el objetivo. De un modo más rudimentario y poco aconsejable, también se puede hacer con el objetivo sujetándolo con la mano.
Los objetivos suelen estar configurados para actuar de forma óptima para ser cuando son enfocados a infinito. Por lo tanto, al invertir el objetivo se invierte también este efecto, provocando que ahora la lente esté configurada para distancias cortas. Así, Cuanta más corta sea la distancia focal, más nos tendremos que acercar para hacer la fotografía, y por lo tanto tendremos una mayor ampliación nuestro objeto.
Es también una opción muy económica (el anillo inversor se puede encontrar por unos 10€ en Ebay), aunque obviamente también tiene sus puntos negativos. Sus opciones son muy reducidas, teniéndonos que limitar a la ampliación que nos ofrezca la distancia focal de nuestro objetivo, perdemos la capacidad del control del diafragma y del autofocus, y cierta tendencia a mostrar difracción.

6. Zoom en posición macro

Existen algunos objetivos zoom que en su cuerpo tienen la opción de activar la posición macro cuando se encuentran en su máxima distancia focal. Aunque la distancia mínima de enfoque se reduce, tampoco podemos esperar grandes milagros. Además, debemos considerar la gran pérdida de luz a la hora usar este tipo de objetivos en su máxima distancia, ya que tarda más en llegar al CCD.
También, tendremos que situarnos a una gran distancia del objeto fotografiado, a veces incluso excesiva. Respecto a la calidad de la imagen, esto dependerá del teleobjetivo utilizado, pero por lo general los teleobjetivos no suelen presentar su mejor calidad cuando utilizamos la mayor distancia focal que ofrecen.
No se pueden denominar como objetivos macro, pero si tenemos un teleobjetivo que incorpora esa herramienta es una opción que tampoco está de más.

7. Zoom con distancia mínima de enfoque reducida

Créditos: Lluvia artificial
También tenemos otros objetivos zoom que a pesar de no disponer de un modo macro, sí que poseen una distancia de enfoque mínima que nos puede permitir hacer ampliaciones cercanas. Obviamente, esta herramienta posee todos los puntos negativos señalados en el anterior apartado. Además, la trepidación aumenta muchísimo y nos veremos obligados a utilizar un trípode o una velocidad de obturación rápida, algo que conlleva una considerable reducción de luz en nuestra imagen.
Tampoco es una opción que se pueda considerar como macro, pero nos permite realizar ciertas ampliaciones que nos pueden ser de cierta utilidad cuando no tengamos otra mejor alternativa.

8. Combinación de alguna de ellas

Como última opción, no podemos olvidar que también se podrían combinar muchas de las propuestas señaladas en función de los resultados que deseemos lograr. Las lentes suplementarias con los tubos de extensión, o un zoom con el fuelle… etc. Las variantes son diversas, y las podemos adaptar según como nos convenga.
Fuente: http://altfoto.com/2014/10/8-formas-diferentes-realizar-macrofotografia

Razones para salir a hacer fotos cuando llueve

Salir a tomar fotos cuando llueve, a pesar de parecer lo contrario, puede ser una experiencia muy gratificante. Existen diversas razones como el movimiento, la luz, las texturas o el mero hecho de aventurarse a hacerlo, que pueden convertir un día lluvioso en una ocasión única para salir a la calle.

Normalmente, solemos pensar que es una locura salir a la calle cuando está diluviando, esto provoca que no salgamos a hacer fotos cuando llueve y que muchas personas se suelen limitar a realizar una fotografía macro de las gotas de lluvia que resbalan por la ventana de su casa. El siguiente paso será subir esa imagen a alguna red social para hacer denotar que tanto nuestra melancolía como nuestro espíritu artístico están casi tan gris como el día.
Pero personalmente, creo que si tomamos las medidas necesarias para que no se moje nuestro equipo (y dentro de lo posible, nosotros), existen diversas razones para aventurarse a salir para tomar fotografías mientras está lloviendo. Debemos tener en cuenta que los aspectos que más nos sorprenden de una fotografía callejera son aquellos que consisten en capturar momentos únicos e irrepetibles, y es imposible negar que en los días de lluvia vamos a tener muchos de estos momentos, los cuales están motivados por diversos factores que intentaremos analizar a continuación.

El movimiento

Creo que no existe mejor momento para jugar con la velocidad de obturación que un día de lluvia. Cuando hay tormenta, además del movimiento causado por las propias gotas de agua, también advertimos que la ciudad se activa más de lo habitual. Hay atascos, la gente corre para resguardarse, las ventiscas provocan que los objetos vuelen… etc. La mejor herramienta para experimentar con la velocidad de obturación es el movimiento, y en un día como el que comentamos existe una gran diversidad de ellos.
Por lo tanto, esos son factores con los que podemos jugar a nuestro favor. Quizás, podemos emplear una velocidad de obturación baja para capturar el movimiento en nuestra imagen, podríamos tener así un objeto nítido mientras el resto de la escena se desplaza y termina siendo retratada de un modo fugaz. O tenemos la opción de elegir congelar rápidamente nuestra imagen, lo cual resulta también impactante principalmente debido a que tenemos la posibilidad de contemplar detenidamente objetos muy efímeros como la lluvia o un relámpago.
Es nuestra elección seleccionar que queremos transmitir con la fotografía deseada. Y ya sea imagen fija o en movimiento, creo que en un día lluvioso tenemos múltiples opciones para elegir y así adaptarnos al modo de expresión que más se adecue a nuestra percepción del momento.

La luz

Aunque en principio pueda parecer negativo, creo que también posee sus puntos positivos en un día con las condiciones que señalamos. Debemos tener en cuenta que la fotografía es básicamente captar rayos de luz a través de un dispositivo, el cual es nuestra cámara. Pues bien, en un clima lluvioso los rayos de luz tienden a verse afectados por efectos como la reflexión y la difracción. Es decir, las ondas de las luces cambian constantemente al chocar contra superficies mojadas, esto provoca que tengamos una escena única compuesta por diferentes haces de luz que se transforman de una manera singular.
Aspectos físicos como los arriba mencionados, provocarán que una imagen iluminada por varias fuentes de iluminación mientras llueve sea muy diferente a cuando la contemplamos normalmente. Por lo tanto, la luz se comporta de un modo singular, lo cual resulta una buena ocasión para intentar aprovechar este efecto y capturarlo en una imagen. Por ejemplo, es una gran ocasión para practicar el desenfoque bokeh sacando a relucir nuestro objeto sobre un fondo de grandes puntos luminosos.
Obviamente, también debemos tener cuidado con la luz. Generalmente los días lluviosos se caracterizan por estar nublados, algo que provoca una gran reducción de luminosidad en la escena. Debido a ello, deberemos usar aperturas abiertas, aumentar la ISO o disminuir la velocidad de obturación.

Las texturas

Como hemos mencionado anteriormente, la luz se encuentra afectada por diversos efectos físicos provocados por la lluvia. Generalmente, esto se traducirá en un mayor contraste de nuestra imagen, haciendo que se resalten muchas texturas que normalmente no suelen destacar. Obviamente esto dependerá también de la escena, no todos los días lluviosos son iguales, ni tampoco existe la misma luz.
Por ejemplo, debemos destacar especialmente aquellos días lluviosos en los que existe una gran nubosidad por encima de los que están nublados. El contraste creado por las nubes resulta idóneo para poner en práctica nuestra técnica con el HDR, intentando conseguir así una imagen con una gran cantidad de información entre el punto más blanco y el más negro de ésta.
También es digno de mención el uso del blanco y negro en estas imágenes. Normalmente el blanco y negro es una herramienta muy útil para resaltar texturas e imágenes contrastadas, por lo que convertir nuestras imágenes tomadas en este contexto a un modo monocromático, puede otorgar una gran riqueza artística en la toma final.

Créditos: Danny Santos

La aventura

Aunque sea el punto menos técnico, lo cierto es que produce cierta emoción atreverse con la propuesta de retratar imágenes en un día lluvioso. La preparación es indispensable, debemos proteger nuestra cámara con elementos impermeables que no permitan a la lluvia penetrar en su interior. Además, el fotógrafo también debe encontrar un punto medio entre la ropa adecuada para permanecer seco y lo cómodo. Supongo que lo más idóneo sería el uso de un chubasquero, ya que utilizar un paraguas es muy aparatoso y nos limita mucho en nuestros movimientos.
Pero si nos hemos propuesto hacer este tipo de fotografía, lo que tenemos que tener claro es que no vamos contemplar la lluvia a través de nuestra ventana, vamos a estar debajo de ella y por lo tanto nos vamos a mojar.
Fuente: http://altfoto.com/2014/10/hacer-fotos-cuando-llueve

4 modos de realizar motion blur

Diferentes modos para realizar la técnica del motion blur en nuestra fotografía y dejar así reflejado un rastro de movimiento en nuestra imagen.

En el ámbito de la fotografía, definimos motion blur como la técnica consistente en capturar imágenes que tienen un objeto en movimiento dentro de su escena. Esto ocurre cuando el propio objeto se mueve dentro del cuadro en el momento en el que estamos registrando la imagen, provocando así que la estela de su desplazamiento también pueda ser apreciada en la fotografía.
En realidad es una técnica bastante básica, pero que su buena realización puede llevarnos a resultados muy satisfactorios. Podemos decir que se trata de un modo de fotografiar muy vinculado a la necesidad del fotógrafo por representar en una imagen lo efusivo, efímero e instantáneo. Es por lo tanto, una técnica muy utilizada en la fotografía callejera, que es donde el concepto de lo fugaz cobra especial importancia. Fotógrafos como Cartier Bresson o Robert Doisneau (entre otros) se encargarán de dejar patente el buen uso de este método.
Básicamente se tratan de diferentes modos de jugar con la luz o desplazamientos en el cuadro, provocando por tanto que la imagen se registre de diferentes formas en función de la técnica que empleemos. Para ello, podemos experimentar con la velocidad de obturación, el movimiento del objeto, la luz del flash, o incluso el movimiento del propio objetivo. Así, existen diferentes modos para captar la imagen en movimiento, obviamente hay disponibles más variantes, pero concretamente hemos pensado en 4 formas diferentes de llevar a cabo esta peculiar forma de fotografiar.

Sujeto en movimiento con fondo enfocado

Se trata de tener en nuestro cuadro un objeto en movimiento mientras el fondo se encuentra totalmente estático. Esto genera un efecto en el que vemos una figura más o menos borrosa en función de lo lenta que sea nuestra velocidad de obturación.
La clave para lograr este efecto es enfocar al fondo que deseemos y posteriormente establecer una velocidad de obturación lo suficientemente baja como para lograr que el objeto en movimiento salga borroso. Si no utilizamos trípode, debemos estar precavidos y no emplear una velocidad tan baja como para que además salga borroso el fondo, aunque eso dependerá tanto del objetivo que utilicemos como de nuestro pulso.
Por lo tanto, la velocidad de obturación variará, aunque por lo general suele ser 1/15 (con mucho pulso) la opción indicada. Debemos tener en cuenta, que al utilizar una velocidad baja la cantidad de luz que entrará será mayor, esto provoca que tengamos que usar la menor sensibilidad disponible de nuestra cámara y un diafragma bastante cerrado, aunque también dependerá de la luminosidad de la escena.

Sujeto en movimiento con fondo desenfocado

En esta ocasión, al contrario que en la técnica anterior será el fondo el que se encuentre desenfocado y el objeto el que se encuentre con total nitidez. Para conseguirlo, tendremos que ser hábiles y seguir al sujeto en movimiento a la misma vez que realizamos la fotografía con una velocidad de obturación baja.
La velocidad indicada suele ser entre 1/30 y 1/60. Al igual que en para el anterior modo, deberemos tener cuidado con el exceso de luminosidad y tener un buen pulso. Además, en esta ocasión deberemos estar advertidos sobre el movimiento que realizará el objeto por el cuadro de nuestra imagen. Para realizar este seguimiento lo ideal es intentar agitar lo menos posible la cámara. Es decir, realizar movimientos suaves con nuestro cuerpo que no conlleven demasiadas vibraciones en nuestra DSLR, todo esto mientras intentamos mantener lo máximo posible en nuestro visor a aquello que deseemos fotografiar.
Obviamente, el sujeto a fotografía deberá pasar a cierta velocidad por nuestro cuadro. De lo contrario el efecto no se logrará correctamente, puesto que si nuestro objetivo transcurre a una velocidad demasiado lenta acabará saliendo también borroso en la imagen.

Objeto congelado con flash

El efecto que provoca el flash en nuestra imagen es el de congelar el sujeto iluminado, así la imagen se formará en nuestro sensor independientemente de si la cortinilla de nuestra cámara no se ha bajado aún. Esto se debe a que la luz ya ha sido captada por nuestra cámara y ya se ha formado en el sensor. Así, si se continúa la foto tras iluminar con el flash nuestro objeto se reflejará con un haz de movimiento.
Además de servir para realizar dobles exposiciones, esta técnica también se puede utilizar para crear un efecto motion blur en nuestra imagen. Lo ideal para usar esta técnica es utilizar la sincronización del flash con la segunda cortinilla. Esto provocará que nuestra cámara empiece a realizar la fotografía, y posteriormente se produzca el destello del flash. De esta forma, se produce el registro de la estela de movimiento anterior al flash.
El problema es que no todas las cámaras poseen la opción de sincronizar el flash con la segunda cortillina. Pero existen otras formas de lograr este efecto. También podremos utilizar el modo blulb y posteriormente usar un flash externo para congelar lo que deseemos. Deberemos tener cierto control de la luz que nos llega al sensor, como en los modos anteriores seguimos utilizando velocidades muy bajas, por lo que será el diafragma el encargado de contrarrestar ese exceso.

Movimiento del zoom

En esta ocasión el movimiento en la imagen no lo generan los sujetos que se mueven por el cuadro, sino nosotros mismos al modificar la distancia focal de nuestro objetivo mientras se toma la imagen.

Aquí la técnica consiste en usar una velocidad de obturación lenta que nos permita cambiar el zoom mientras se realiza la foto. Para ello, deberemos tener al sujeto a fotografiar en el centro de la imagen y ejercer el movimiento con cierta habilidad. Nuevamente deberemos tratar de agitar lo menos posible nuestra cámara, algo que en este caso se complica debido al cambio de zoom que debemos realizar.
Deberemos usar una velocidad lo suficientemente lenta como para que nos permita mantener en foco el objeto a fotografiar y lograr el efecto de desenfoque. Al igual que en modos anteriores, esto dependerá del objetivo, la distancia focal usada y de nuestro pulso, pero por lo general suele rondar la velocidad de 1/30.
Gracias a esta técnica, podremos crear un efecto de movimiento muy particular que lleva la atención al centro de la imagen. Efecto que nos permitirá incluso imitar alguna portada de música popularmente conocida.
Fuente: http://altfoto.com/2014/10/motion-blur